Nos pudimos acercar a Eric Reyes-Lamothe, artista que lleva alrededor de 25 años dedicándose al arte. Ha experimentando con diversas técnicas y conceptos para plasmar un discurso recurriendo a la analogía entre lo político y lo poético.
Atraído por el concepto de las masas, nos cuenta que en el 2003 inició una serie de obras pensadas desde este rubro, llamando su atención el peso visual que tienen las aglomeraciones que se hacen en la Ciudad de México con las cuales empezó a investigar y desarrollar un lenguaje complejo y rebuscado. Dando pauta a este interés del arte público pensado en la política como los eventos que este sector realiza para atraer a las masas haciéndolo reflexionar y conectar con la poética en el que ambos conceptos tienen puntos de encuentro interesantes.
En la exposición Hola y adiós: ensayo sobre política y papel, en la Casa del Lago Juan José Arreaola (2010), converge lo político y poético. Utilizando el papel como un material recurrente en el arte se observa cómo en éste confluyen en ciertas formas curiosas y peculiares el ámbito plítico. En una de sus piezas, Estirando el presupuesto, recurre a los billetes, elementos que están relacionados con el papel, la política y la belleza poética.
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“El papel es un elemento que me llama mucho la atención, Me interesa por las conexiones que tiene con otros materiales”.
A Eric le gusta interpretar los objetos cotidianos y sencillos con los que las personas se relacionan día con día y con ellos crear analogías desde la complejidad. El poder que tienen los objetos para, desde una carga cultural y simbólica, convertirse en parte de la forma en la que nos comunicamos con todo, no necesariamente con las palabras, sino de forma silenciosa.
¿Consideras que el arte te puede ayudar a concientizar o sensibilizar al público?
El arte tiene múltiples funciones, es una herramienta multifuncional, que puede ser peligrosa. A veces lo que percibimos puede ser algo no necesariamente agradable o que a todo el mundo le pueda resultar interesante; al contrario, puede ser agresivo. En general tenemos la idea de que el arte es algo que tenemos expuesto en nuestras casas y que pueda llegar a ser hasta decorativo. Son tan amplias las posibilidades en el arte que inclusive abarca categorías estéticas como la fealdad, lo dramático u otras que son muy poco conocidas o utilizadas en el arte contemporáneo como lo cómico.
No busco ser decorativo, aunque lo que hago sí es muy estético. Busco que contenga una carga estética fuerte, porque es algo que nos conecta con una parte antigua y fundamental en nosotros mismos que son nuestros sentidos. Es prácticamente animal, es algo que no podemos evitar
Por ejemplo, la televisión es totalmente estética, por eso es tan atractiva y pegajosa. La publicidad en un envase o en la envoltura de frituras es extremadamente estética, es atractiva, pero es una trampa para consumir más. Estoy dando vueltas a la pregunta, porque a lo que quiero llegar es que el arte no necesariamente siempre es algo fácil de comprender, no necesariamente es algo que resulte bello a primera vista y generalmente las obras más innovadoras no son bellas a la vista de los espectadores contemporáneos. Muchos artistas se adelantan a sus épocas, por ejemplo, Rembrandt. Aunque su obra fue muy reconocida y muy apreciada en su momento, estuvo relativamente en el olvido durante varios siglos hasta que fue redescubierta en el siglo XIX. Se puede decir que Rembrandt se adelanta a su época, o Van Gogh que no fue reconocido en su momento. Quizás si se hubiera esperado unos 10 años más hubiera sido un pintor muy famosos y reconocido, pero lo fue hasta después de su muerte. Se adelanta de alguna forma porque su concepción estética no era la de su época. Entonces, muchos artistas hablan lenguajes que no siempre son entendibles para su momento, para su contemporaneidad.
¿Por qué es importante apropiarse de los espacios públicos, por ejemplo en tu obra Caminando el vocho se ejecuta en un espacio público y en Cortando piecitos está en un espacio abandonado?
Justo esas dos son obras que cuestionan el espacio público. En general me gusta más que nada cuestionar qué es lo público. La primera, Caminando el vocho, la realicé junto con otros dos amigos y colegas, Ricardo Castro y Eunice Limón, quienes me ayudaron a llevarla a cabo y pensarla. Desde ahí había una cuestión de comunidad desde la parte en la que se va creando la pieza. Lo que estábamos pensando era un cuestionamiento de los espacios públicos que se van cerrando. Creo que justo ahora habría que volver a pensar esto mismo, pero en otro sentido distinto; los espacios públicos cancelados por la pandemia.
Se abrió la posibilidad de que un espacio público peatonal que es “La Floresta” en Tulancingo, se le volviera a dar un sentido de calle para automóviles y a nosotros nos preocupó, nos alarmó que pudieran entrar coches de nuevo a un espacio que ya estaba ganado por el peatón. Lo que pensábamos era ¿qué es esto del coche?
El automóvil ha sido un elemento con el que he trabajado mucho a lo largo de varios años. He estudiado esta parte espacial y social que tiene el automóvil. Lo que pensábamos era qué pasa si este espacio del coche se lleva caminando, cuál sería la regla o la ley que se está rompiendo por invadir el espacio de los coches, porque pensábamos que los coches iban a entrar a la plaza –lo que afortunadamente no sucedió como tal y solo fue una posibilidad– pero a nosotros nos hizo pensar mucho en lo que significa un coche, en cuáles son realmente las implicaciones espaciales de un automóvil en nuestra ciudad y que damos por hecho. No es normal que tengamos que ceder nuestro espacio vital a una máquina. Es toda una enunciación que podríamos llevar a cabo en lo corporal y en lo humano: las máquinas están tomando nuestro espacio. Podría decir que también nuestro tiempo, si consideramos los dispositivos móviles. Filósofos como Deleuze y Guattari, decían que no porque las máquinas todavía necesitan de los humanos y no porque las máquinas no se reproduzcan por sí mismas –se necesita todavía de una planta de fabricación de automóviles– no por ello significa que un automóvil no tenga una sexualidad y un sistema reproductivo. Los humanos somos como los polinizadores en su sistema reproductivo todavía primitivo. Ahora tiene más sentido todo esto, cuando se ha puesto ya en la mesa de debate a la inteligencia artificial. En fin, creo que estoy yendo muy lejos, pero todo esto estaba incluido en esa discusión, en la especulación sobre los automóviles.
Construimos un automóvil de papel –una vez más el papel como material en el arte– y lo llevamos a caminar. Esperábamos que alguien nos parara o que algo muy dramático sucediera. Los policías se rieron, porque no había una ley que dijera que no podrías transitar. No estábamos en realidad obstruyendo el espacio de los coches, no hay una ley que te diga que no puedes caminar por la vía del tránsito vehicular; aunque sí hay algo que te dice “por favor no obstruyas las vías”, pero caminábamos al ritmo lento del tráfico. Nos gritaron a lo lejos ¡No traen placas! Fue como un juego, es divertido observarlo, pero a la vez hay un cuestionamiento “serio” detrás.
La pieza se realizó en un espacio público muy especial, el que ocupan los coches, y que como peatón no replicas ante el hecho de que es un espacio que has perdido, que no puedes ocupar ya. En general eso sucede con muchos espacios públicos. Cuando pensamos en espacio público damos por hecho que es la acera, la banqueta o los muros y los parques, pero hay muchos espacios que me gustaría inclusive pensar que se pueden estirar y que autores como Walter Benjamin ya habían desarrollado esta noción de porosidad entre lo público y lo privado.
La pieza de los piecitos se llevó a cabo en un espacio en construcción que en realidad es privado porque es de alguien; pero no hay puertas en esta construcción, cualquier persona puede entrar, no hay algo que cierre el espacio como tal. También tiene una característica muy pública, fue algo que me interesó. Junto con un grupo de estudiantes del Instituto de Artes intervenimos gran parte del inmueble. En mi caso, me di cuenta de que a esa construcción le hacía falta un jardín y buscaba darle vida a través de las plantas (esta idea se conecta mucho con lo que estoy haciendo ahora con mi huerta, el creador como jardinero y agricultor). De ahí salió la cuestión de los piecitos y la parte comunitaria y social en la que fui pidiendo a los vecinos piecitos que son esquejes, esto es, partes de las plantas que siembras y les salen raíces. Construí un jardín temporal con las plantas de muchas abuelitas y de vecinos que me iban cediendo “piecitos” que al final compartí y regalé, diseminándose con el público que visitó la exposición.
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“Fue un proceso que me hizo pensar la fuerza que tienen las plantas hay algo como muy vivo en las plantas que se conecta con el arte y que a mi me gustaría trabajar y profundizar”.
Ahora estoy trabajando con la tierra y con los desechos, como simbolismos que hay en la tierra, lo humano (humus) que viene de la tierra, la tierra fértil que se siembra. Hay algo que nos conecta con nuestra parte más humana en la tierra y en el sembrar. En el arte hay muchas conexiones con la tierra, hay artistas que trabajan con la tierra directamente. Francisco Toledo que pintaba con muchas tierras, Jean Dubuffet que también empezó a agregar materia a la pintura, el Land art o artistas como Andy Goldsworthy que trabaja directamente con materia orgánica, que no está pensando en que quede vivo o mucho menos en que la obra deba estar muerta en un sentido de inactividad material como lo que sucede en un museo.
Hay mucho que pensar en torno a la tierra, como el crecimiento de las plantas y las semillas. Es algo con lo que estoy trabajando. Las semillas como un símbolo y como algo que contiene un misterio, incluso para la ciencia. Mi estudio está muy cerca del lugar donde siembro; estoy ahora literalmente entre papeles y semillas. Ambos son materiales que se pueden ocupar en el arte y también corren peligro de caer en un espacio demasiado políticamente correcto.
Me interesa ser crítico con los materiales que estoy utilizando, no solo pensarlas como una cuestión estética que raye en lo decorativo, ese es otro problema, junto con lo políticamente correcto. Generalmente con los materiales que trabajo me gusta ser muy crítico, pensarlos siempre desde la perspectiva social política. Nada más por poner un ejemplo, la semilla más importante en nuestro país que es el maíz tiene una carga política social muy fuerte detrás, sobre todo a partir de las luchas en contra de los transgénicos. Cualquier semilla, cualquier ingrediente en la alimentación, es más cualquier objeto que nos rodea tiene una carga cultural y política muy fuerte.
¿Hay alguna obra que consideres que haya sido compleja de representar o conceptualizar?
Pensé mucho esa pregunta, pero no encontré una respuesta. Todas tienen un nivel de complejidad especial. Quizás la serie de las Multitudes Mínimas es una que podría considerar como compleja porque siento que no la pude terminar, no hay una conclusión. No me preocupa esto, porque históricamente sé que muchas piezas quedaron inconclusas, pero creo que esta serie todavía la tengo pendiente, aunque no sé si la continúe. Como tal, el tema de las masas es algo muy complejo que como representación raya en un imposible. Las masas son imposibles de atrapar, de entender, son algo completamente misterioso, es un tema que me parece sumamente complejo y que no logré atrapar.
Actualmente, trabaja en una propuesta retomando los temas de la alimentación y la siembra inspirado en el Método de la Magia del autor argentino José Luis Parise, desde la reflexión de qué es el arte y su función desde un paradigma distinto. Lo que está planteando y experimentando en el arte es una forma de invocar cuestiones, de lo que va a devenir en realidades conscientes o inconsciente al estar atrayendo algo.
